La diseñadora y estilista June Ambrose habla sobre los 50 años de moda

June Ambrose desempeña muchos papeles, literal y figurativamente. La diseñadora de vestuario y directora creativa ha sido fotografiada con todo tipo de sombreros hechos a medida de los años, e incluso le dijo al Cut en 2016 que posee cerca de 100 de ellos. A menudo publica fotos en Instagram mostrando su colección, que consta de gorras de béisbol con apariencia de dibujos animados, sombreros de copa, bombines de ala ancha, sombreros y tapas con orejas de conejo de la diseñadora Khia Tullae, radicada en Nueva York. Es su aspecto característico. Y además de ser tan presencial, Ambrose también desempeña muchos roles profesionales, con una larga lista de elogios que van desde estilista y diseñador para clientes de alto perfil como Sean “Diddy” Combs, Jay-Z y Missy Elliott hasta autor publicado. , emprendedora, personalidad de televisión y, más recientemente, directora creativa de Puma: su estilo personal es un testimonio de su creatividad ilimitada y su enfoque intrépido de la moda.

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A mediados de los 90, Ambrose se hizo un nombre en el mundo del hip-hop al convertirse en arquitecta de imagen para artistas como Jay-Z y Elliott. Ella no solo diseñó y estilizó sus looks, sino que también ayudó a dar forma a su personalidad pública. Como la mujer detrás de algunos de los momentos de estilo más impactantes e inesperados del género, sus contribuciones a la cultura y la moda hip-hop en general no pueden definirse por un solo título: le dijo a The Cut que nunca quiere "encasillarse" como solo uno. cosa (es decir, estilista de celebridades). En cambio, la influencia de Ambrose proviene del hecho de que ella siempre estuvo unos pasos por delante de la curva. Cuando las casas de moda no le prestaron dinero a sus clientes, ella perfeccionó sus habilidades de diseño de vestuario y creó los looks ella misma. Cuando la mayoría de las mujeres que encabezaban las listas tenían una imagen abiertamente sexual, vistió a Elliott con un traje completamente informe inspirado en Michelin Man para el video musical “The Rain”. Y cuando el hip-hop estaba de luto por la pérdida de Notorious BIG, Ambrose decidió celebrar su legado vistiendo al amigo cercano y colaborador del difunto rapero, Combs, con un traje rojo brillante (en lugar de algo oscuro y sombrío) para “Mo Money Mo Problems”. " video musical. Nos mantuvo en vilo durante décadas y nunca tuvo miedo de desafiar el status quo.

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Aquí, Ambrose comparte las historias detrás de algunos de sus momentos de moda más icónicos y reflexiona sobre cómo sus ideas más importantes ayudaron a dar forma a la cultura hip-hop.

Sé que eres una chica de Nueva York. ¿Cómo influyó en ti quién eres el haber crecido en este maravilloso crisol de culturas e ideas?

Descubrí mucho. El telón de fondo del lugar donde crecí en el sur del Bronx es un entorno con mucha textura y mucho carácter. Tiene tantas historias y momentos narrativos. Se convirtió en la banda sonora de mi vida, ¿sabes? Se me brindó la oportunidad de poder concentrarme en ser joven y creativo. Mi trabajo era obtener una educación, mantenerme a salvo y salir adelante. Y lo hice. ¿Una joven que crece en el sur del Bronx, descubre la moda en una gran ciudad y encuentra su camino hacia el centro de Manhattan? Es una gran historia sobre la mayoría de edad.

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Yo era mi propia musa, el personaje que quería convertirme. Creo que hay algo en el hecho de que una joven pueda verse a sí misma en todas estas experiencias realmente hermosas, excéntricas y costosas de la vida. Pude tocarlo cuando mi mamá nos llevó a la ciudad para recorrer los estudios de grabación. Fue la experiencia de ver la vida fuera de mis propios límites. Ya sea que hayas crecido en la ciudad o en los suburbios, es muy importante salir de tu vecindario, salir de tu entorno y ver el mundo. Creo que esa es la razón por la que vi las cosas de manera tan diferente: no estaba mirando a través de una lente en particular.

También eres un ex chico de teatro. ¿Cómo te influyó ese entorno creativamente?

El teatro es la razón por la que me dediqué al diseño de vestuario. Cuando conseguí un papel como actor, quería entender al personaje y cómo desarrollarlo. Siempre me fascinaron mucho las películas, las referencias a películas, las películas antiguas y los disfraces mismos. Debido a que tenía una curiosidad infinita sobre cada aspecto detrás y delante de escena, me ayudó mucho a perfeccionar mi oficio y también a explorar de qué se trataba. Hay que tener talento para crear vestuario y diseñar; descubrí que tenía ese talento y se convirtió en un superpoder. Dejé la actuación en un segundo plano porque me di cuenta de que era una hermosa experiencia artística poder crear disfraces para personajes y ser parte de la narración de esa manera.

Llévame de nuevo a tu primera experiencia como estilista. ¿Cuál fue tu enfoque?

Mi primer trabajo como estilista fue interesante porque me di cuenta de que simplemente armar ropa con otras personas no era suficiente para contar la historia o desarrollar el personaje. Entonces supe que realmente tenía que entrar en mi propia cabeza de diseño de vestuario y de construir y crear cosas. Pero en segundo lugar, las casas de moda no necesariamente prestaban dinero a desconocidos. Ni siquiera prestaban dinero a la gente de la música en general. A las casas de diseño no les importaba tener una relación con la industria musical en ese momento, y nuestro presupuesto no podía permitirme ir a una tienda y comprar ropa. Algunas de las ideas que tenía estaban fuera de cualquier cosa que pudiera tener en mis manos. Quería poder controlar esa narrativa. Comencé como diseñadora de vestuario, así que así es como lo abordé. Poder comercializar y diseñar los looks después fue otro superpoder que resultó muy útil. Con gran parte del trabajo que hice, el estilo realmente ayudó a vender el look. Ayudó a hacerlo tangible para el consumidor y a comercializar algunas de las excentricidades de lo que estaba construyendo.

Los títulos me persiguen porque agrupar mi trabajo simplemente en "ella es estilista" no define realmente mi contribución. La dirección creativa también es algo que he estado haciendo desde el inicio de mi carrera. Me encontré en ese lugar de poder donde podía dirigir, cambiar y dar forma a la narrativa. Como cuando trabajé con Missy Elliott al inicio de su carrera, trabajé con Hype Williams para crear su narrativa visual. He trabajado con Jay-Z desde el inicio de su carrera. Antes de ser artista, tuvo un sello discográfico. Y confió en mí para dirigir creativamente los artistas que publicaba bajo el sello Roc-a-Fella.

¿Cuándo fue la primera vez que sintió que había construido y desarrollado con éxito la imagen de alguien?

Es interesante porque eran los Backstreet Boys. He trabajado con muchas bandas de chicos. Específicamente para los Backstreet Boys, para que fueran realmente relevantes culturalmente, tuve que darles cierta sensibilidad urbana. No en el sentido de hip-hop o negro o algo así: piensa más en la ciudad. Algo arenoso y un poco más áspero. Esa imagen realmente ayudó a cruzarlos hacia un mercado multicultural y multigeneracional.

Hablemos de la apariencia del video musical “Mo Money Mo Problems” de Biggie Smalls con Diddy y Mase. ¿Qué hizo que esos trajes rojos brillantes fueran tan influyentes?

Cuando Puffy se puso ese traje brillante, fue un cambio de cultura, especialmente cuando piensas en qué es el hip-hop y quién era Biggie. Para mí, el concepto no era tan descabellado. Biggie era extravagante. Entonces, cuando intentaba venderle esta idea a Puff, pensé: “Biggie vestía camisas de seda. ¿Por qué da tanto miedo imaginarse con algo brillante? A veces argumentaba cosas como si fuera abogado, pero sabía que era lo correcto. Simplemente sentí que era mucho más interesante. Ese vídeo fue tan impactante para Puff que hizo una canción al respecto. Realmente despegó y todo quedó brillante después de eso. [Combs lanzó la canción “Shiny Suit Man”, un guiño a las modas llamativas adoptadas por los artistas de hip-hop tras la muerte de Smalls y la muerte de Tupac Shakur apenas seis meses antes, en 2001.]

Las imágenes eran tan mágicas, brillantes, divertidas y caricaturescas, pero no comprometían la credibilidad callejera de los artistas. Los sacó de sus personajes personales y los llevó a sus personajes artísticos. Si lo que hacemos es entretenimiento, así es como se ve el entretenimiento y el espectáculo. Es divertido, aspiracional, provocativo. No es polvoriento, sucio, deprimente ni triste. Siempre he sido un disruptor que toma riesgos. Creo que es muy importante que no seamos tan predecibles... luchar contra esa corriente, hacer cosas que incomoden a la gente.

También creaste uno de los mejores vídeos musicales de todos los tiempos: el traje inflable de Missy Elliott en “The Rain”. ¿Qué es lo que no sabemos sobre esa mirada?

Creo que hay momentos de los que no hablamos mucho con ese. Era una especie de propiedad de la masculinidad. Fue realmente poderoso. El hecho de que Missy era una marimacho cuando, en ese momento, las mujeres en el hip-hop tenían que ver con la sobresexualización.

Todo fue tan intencional. Como Missy con el perfecto chándal de cuero verde menta sentada en la cima de la colina verde que filmamos en una pantalla verde. También fueron las cosas simples. Me encantaron los Timberland. Las mujeres no usaban botas de construcción en ese momento. Me reí cuando se me ocurrió la idea de poner a los bailarines en calzoncillos y camisetas sin mangas de hombre. Para mí, fuimos nosotros los dueños y tomando el control de la narrativa.

Sí, me encanta cómo vestía siluetas masculinas y al mismo tiempo abrazaba todo el brillo y el glamour.

Todo lo femenino también. Sus movimientos de baile y sus letras eran muy provocativos. Eran atrevidos.

Diseñar el traje inflable con gafas de sol adornadas con brillantina es un ejemplo perfecto de esa yuxtaposición masculino-femenino. ¿Quién los hizo?

Era el archivo de Alain Mikli. El director de “The Rain”, Hype Williams, consiguió que Alain Mikli los dejara salir de su archivo. Nunca se habían usado fuera del ámbito editorial. Eran extremadamente frágiles. Venían de Christie's... fue algo importante. Realmente hicieron el look.

Una de tus contribuciones más prolíficas al hip-hop es fomentar una colaboración entre Missy Elliott y Adidas allá por 2004. ¿Cómo surgió eso?

Había tomado licencia creativa sobre esa IP muchas veces en estos videos musicales, ya sea que los estuviera remezclando o quitándolos. Entonces le dije a Adidas: “Escuchen, muchachos, deberíamos asociarnos. Ya estamos ahí. Ella es tu musa”. Y de ahí nació la colaboración Respect ME. [Ambrose también dirigió creativamente la asociación, que fue una de las primeras de su tipo entre una marca y un artista de hip-hop.]

¿Cuál fue el significado de esa asociación? ¿Cómo ha impactado al hip-hop y a la industria de la moda en su conjunto?

Fue realmente una confirmación de que movimos la aguja. No sólo movimos la aguja, sino que teníamos el control de los bienes de consumo y podíamos producirlos. La gente empezó a considerar los contratos discográficos de forma integral, desde un punto de vista de 360 ​​grados. No se trata sólo de las giras y la música porque una cosa va a atraer a otra y a otra. Es una especie de efecto dominó. Si un artista colabora con una marca de moda, entonces puede colaborar con una marca de belleza y todo comienza a alimentar la vida y el estilo. Los sacó de esa caja particular de "éstos son gente de la música". Porque cuando la gente de la música hace mini-comerciales, habla con el consumidor y mueve bienes de consumo, es mucho más grande. Siempre supe que era más grande que yo.

El estilo es una cultura que creamos al no tener miedo de decir: "Esto es estilo, esto es actitud, esto es una voz". El streetwear es un lenguaje. Es una cultura. Y estas marcas de moda reconocen que no es sólo algo tangible, razón por la cual ahora se asocian con los árbitros. Creo que seguiremos viendo más asociaciones de este tipo, pero también más construcción de marcas por parte de los propios árbitros. No bastará con cerrar estos acuerdos. Ves artistas que quieren tener sus propias casas de moda. Los directores creativos y diseñadores como yo queremos más. No es suficiente que me invites a tu show. Quiero un asiento en la mesa.

¿Qué quieres que sea tu legado?

Espero que mi legado sea uno en el que la próxima generación pueda encontrar inspiración. Mis hijos tienen 19 años y pronto cumplirán 22, y uno de los momentos de mayor orgullo que tuve al mirar retrospectivamente mi trabajo es que mis hijos encontraron es muy relevante. Lo veían como arte. Tengo una foto de mi hijo parado frente a un traje de Missy Elliott cuando la honraban con un premio MTV. Me siento muy honrado por la imagen de él parado frente a algo que creé hace más de 20 años. Se me pone la piel de gallina cada vez. Cierro los ojos por las noches sabiendo que hice algo con gran intención y valió la pena.

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